“Mírame, te veré de vuelta” revisa cuatro décadas de la artista mexicana Teresa Serrano, cuya obra conceptual está íntimamente ligada a su biografía, explorando asuntos que parten de lo individual, pero que terminan vinculándose a las condiciones que ha enfrentado la mujer en la sociedad patriarcal.

Bajo la curaduría de Brenda Fernández Villanueva, la exhibición reúne desde sus obras más tempranas de mediados de los años ochenta, hasta obras inéditas creadas este año, abarcando técnicas como dibujo, pintura, instalación, fotografía, video, performance y escultura.

Nacida en Ciudad de México en 1936, Teresa Serrano es una artista autodidacta que creó un lenguaje propio en el arte contemporáneo. Su historia personal está marcada por el cuidado a los demás, tanto con la familia en la que creció al estar a cargo de sus hermanos, como con la familia que formó desde muy joven. En un momento de su vida comenzó un proceso de introspección y cuestionamiento que la llevó a rechazar el rol de sumisión establecido por el patriarcado a las mujeres.

Luego de tomar clases de pintura, un medio en el que trabajó arduamente, Serrano decidió comenzar su carrera como artista y decide mudarse a Nueva York, donde se enfrenta a la vibrante escena del arte en los ochenta, con propuestas de video, instalación y performance, que en México aún no se encontraban tan latentes. Cuando Serrano habla de su historia personal señala que se sentía como un guante en la mano del otro, para luego convertirse en mano, refiriéndose a la etapa donde logra empoderarse y emprender su propio camino.

A lo largo de su trayectoria, la artista ha explorado diferentes medios que al mismo tiempo le han permitido ahondar en distintas preocupaciones. En sus pinturas tempranas reflexionar y sanar pérdidas importantes de seres queridos. Su estancia en Nueva York fue una experiencia que la confrontó como individuo y comenzó a trabajar en la escultura. Para algunas de sus obras retomó el minimalismo, una corriente dominada por los hombres, y revirtió su lenguaje creando piezas donde contrasta la suavidad de una tela con la rigidez del acero.

Relacionada con el cine desde niña, en su obra Serrano se interesó por explorar la imagen en movimiento abordando asuntos como la migración, los derechos de la mujer, incluso la problemática alrededor del narcotráfico, un ejemplo es su obra Amapola (2017), en donde elabora un cortometraje que muestra una amapola que la artista plantó en un campo en Tepoztlán, explorando su imagen poética y la belleza de la especie, que ha sido estigmatizada al ser parte de la producción de heroína. En el video, la misma artista es quien canta “Amapola”, original del compositor argentino Luis Roldán, con arreglo musical de Santiago Ojeda.

Las más de 70 obras de la exhibición se distribuyeron en cuatro ejes temáticos: Desplazamientos, Poder, Temores y obsesiones, y Aceptación.

Los presupuestos conceptuales de la obra de Teresa Serrano están íntimamente ligados a sus experiencias como mujer. Desafió sus orígenes autodidactas, forjó un lenguaje propio y, desde sus primeros trabajos pictóricos, encontró en el arte un espacio para la resistencia y la reconstrucción emocional. A medida que su carrera avanzó, su obra se expandió hacia una crítica incisiva de las dinámicas de poder y los roles asociados al género.

Teresa rechazó en primera persona el papel subsidiario asignado patriarcalmente a la figura femenina y se refugió en Nueva York, donde formó una visión crítica sobre el papel del arte en la vida cotidiana y en los hábitos de ver, aunque nunca dejó de pasar temporadas en México. Expuesta a la instalación, el videoarte y el performance –abundantes en el Nueva York de los 80–, pasó de trabajar en la segunda dimensión a explorar la imagen en movimiento y la escultura, en la cual su espíritu subversivo se manifestó al revisar el minimal escultórico y la tradición de los petos del mundo taurino, entornos dominados por hombres.

Al dislocar estos discursos hegemónicos, empleó en el primer caso materiales y formas asociados al minimalismo, como las bandas de acero, combinándolos con elementos delicados y suaves, tales como la tela, el encaje y el cuero, asociados a la piel. En el segundo caso, recurriría a la mano de obra masculina de artesanos de las plazas de toros para realizar obras que abordaban el supuesto problema de la feminidad, percibida como frágil y protectora.

En el video, la artista se ha apropiado de los códigos televisivos y cinematográficos y, en otros casos, ha empleado el bolero de la tradición popular latinoamericana para cuestionar normas sociales e incentivar su reconfiguración, evidenciando distintos tipos de violencia y dominación política, laboral e interpersonal.

Esta retrospectiva, de más de 40 años de trayectoria, nos muestra las preocupaciones de Teresa por fisurar ese aparato complejo entre poder, cuerpo e identidad.

Brenda Fernández Villanueva,

Curadora Asociada

El desplazamiento, tanto geográfico como emocional, ha sido un elemento crucial en la obra de Teresa Serrano y en su desarrollo artístico. Nacida en México, Serrano encontró su identidad creativa en Nueva York a principios de los años ochenta, tras mudarse a la ciudad en un momento clave de su vida. No fue simplemente un cambio de ubicación física, sino una transformación personal que le permitió escapar de las restricciones sociales y roles tradicionales asociados a su vida anterior. Este contexto la conectó con una generación de mujeres artistas que, inspiradas por el movimiento feminista, desafiaban las expectativas convencionales para encontrar su propia voz en el mundo artístico.

Las obras presentadas en este eje exploran el tema del desplazamiento no solo como un cambio físico, sino como un proceso de renovación personal y construcción de autonomía. Piezas como Siempre el pasto del vecino es más verde (1997) y 52 semanas, 52 años (1997) profundizan en los impactos emocionales del desplazamiento, tanto simbólicos como reales, y examinan cómo el movimiento, ya sea de lugar o de estado emocional, permite una reconstrucción de la identidad y la búsqueda de libertad.

Otras obras, como aquellas que evocan ríos, montañas y volcanes, están inspiradas en los recuerdos de la infancia de Serrano en las plazas de toros. A través de estas piezas, la artista evoca el mundo taurino que conocía bien, explorando la tradición textil de los petos, un dominio exclusivamente masculino. Aborda la disparidad en la naturaleza, que para la artista es femenina: protectora, fuerte y, al mismo tiempo, frágil. Al emplear mano de obra masculina para representar lo femenino, la artista transforma y resignifica este lugar tradicionalmente patriarcal, desafiando sus límites y reconfigurándolo como un ámbito también femenino.

Por medio de la migración y la memoria, Serrano crea una narrativa sobre la transformación, donde el desplazamiento se convierte en un viaje hacia el autodescubrimiento y la posibilidad de crear nuevas narrativas.

Las obras de Teresa Serrano que conforman este bloque exploran distintas formas de control, resistencia y transformación en contextos sociales e íntimos. Serrano examina las dinámicas de dominación y las barreras, tanto visibles como invisibles, que afectan a las mujeres, los cuerpos y las libertades. En este sentido, la naturaleza también se convierte en un símbolo, donde elementos como la amapola, estigmatizada por su relación con el narcotráfico, son resignificados para cuestionar las estructuras de violencia y dominación. Otras piezas profundizan en temas como la opresión sistémica que restringe el avance de las mujeres en el entorno laboral y las tensiones sutiles que se manifiestan en el espacio doméstico y en las relaciones íntimas. 

La naturaleza, el cuerpo y los objetos cotidianos se reconfiguran en sus obras, desafiando las normas patriarcales y proponiendo nuevas interpretaciones sobre la resistencia y la autonomía individual. A través de su trabajo, Serrano nos invita a reflexionar sobre cómo las estructuras de poder moldean nuestra experiencia humana, no sólo en los ámbitos públicos, sino también en los espacios más privados de la vida.

Este eje explora los paisajes emocionales más oscuros, donde el miedo, la ansiedad y las obsesiones toman protagonismo. A través de experiencias visuales y sensoriales, estas obras enfrentan los complejos estados psicológicos que surgen en momentos de crisis personal. Al revelar las tensiones entre el mundo interior y exterior, ofrecen un camino hacia la comprensión, transformación y superación de los conflictos internos. La introspección se convierte en una herramienta clave para trascender lo tenebroso, y abrir espacio para la certeza y reconstrucción propia.

El eje Aceptación se distribuye en dos bloques, interrumpidos por los videos de Boca de tabla (2007) y Un cuarto propio (2003-2004) del eje Temores y Obsesiones. Esta sección explora la profunda comprensión de que no es posible ser una “supermujer” ni aspirar a una totalidad idealizada. A través de estas obras, Teresa Serrano nos enfrenta a la condición de ser mujeres en un mundo que exige perfección, poder y resistencia inagotable, pero que no reconoce la fragilidad como parte esencial del ser. Las piezas invitan a reflexionar sobre la importancia de aceptar los propios límites desde la ternura, de enfrentar el duelo y transitar el dolor como un proceso necesario para emerger renovados, con una comprensión más profunda y sincera del deseo propio.

Aquí, el acto de aceptar no se presenta como una rendición, sino como una forma de liberación: abandonar los ideales inalcanzables y reconciliarse con la vulnerabilidad. Serrano nos lleva a reconocer que la potencia reside en reconocer nuestra fragilidad, en saber que “mi casa soy yo”, y que en esa aceptación se encuentra la capacidad de sobreponernos, lejos de los cánones que nos encadenan a lo efímero y lo superficial.