Dan Flavin: Obras de la colección Dia Art Foundation es la primera exhibición en México dedicada a analizar la producción de una figura clave en el minimalismo norteamericano, aunque en vida rechazó cualquier etiqueta, es pionero en la incorporación de luz fluorescente en la producción artística y cuyas instalaciones envuelven al espectador en contenedores multicolores.

La muestra reúne 24 de las obras más destacadas en la producción de Flavin, creadas entre 1962 y 1974, provenientes del acervo de Dia Art Foundation, seleccionadas curatorialmente por Humberto Moro, director del programa de la institución. Se encuentran desde las primeras obras en las que utiliza luz hasta series que realizó por varios años.

Fallecido en 1996, Dan Flavin fue el primer artista en utilizar la luz como un medio de producción artística, con la que lograba transformar el espacio y la percepción del público a través del color y los efectos de la luz fluorescente.

La presencia de la obra de Flavin en el país es el resultado de la sinergia del MARCO con Dia Art Foundation, institución establecida en Nueva York desde 1974, inicialmente dedicada a apoyar a los artistas en proyectos de gran escala y producción, desde instalaciones de sitio específico hasta exhibiciones individuales. En este sentido, el organismo produjo e integró a su acervo una parte importante de la obra de Flavin, convirtiéndose en un actor importante en la preservación de su legado.

La exposición Dan Flavin: Obras de la colección Dia Art Foundation es una revisión de la obra del artista estadounidense Dan Flavin (1933, Jamaica, New York; 1996, Riverhead, New York) y la primera exposición individual del artista en México, que presenta más de veinte obras provenientes de la colección de Dia Art Foundation. Esta constelación de obras hechas entre 1962 y 1974 representan momentos y series claves en la obra de Flavin, al mismo tiempo que, es el testimonio de una relación de largo plazo entre la institución y el artista. 

Flavin, uno de los más importantes artistas del minimalismo Norteamericano (pese a que el artista activamente rechazó la eitqueta de “minimal”) estableció un vocabulario formal simplificado formado de interacciones entre luz y espacio desde 1963, después de haber pasado tiempo en el seminario, en Corea como observador del servicio meteorológico de las Fuerzas Aéreas de los Estados Unidos, así como en la Hans Hofmann School of Fine Arts, la New School for Social Research, y Columbia University.   

Llamando al uso de la luz en el espacio como un fenómeno “situacional”, el artista generó un sistema de parámetros materiales y conceptuales mediante el cual sus obras podían existir. A través del uso de lo que en aquél momento fueran lámparas de producción industrial y amplio uso comercial, el artista determinó cuatro longitudes, 66, 132, 198 y 264 centímetros, así como una paleta de luz de nueve colores, azul, verde, rosa, rojo, amarillo y cuatro variedades de blanco. En esta “limitada” configuración de materiales, el artista encontró un vocabulario de posibilidades y variaciones infinitas. Al igual que muchos de sus contemporáneos a principios de los sesenta, Flavin recurrió a materiales industriales listos para usar como un antídoto a la predominancia de la pintura gestual. Para sus obras de luz, nunca modificó las dimensiones ni los colores de las bombillas fluorescentes estándar. La ironía es otro de los aspectos inherentes a la obra del artista, quien desafió no solo las nociones formales de la pintura y escultura modernista, sino que a la vez, el artista cuestionó conceptos más amplios como las ideas de monumentalidad, permanencia y supuestas relaciones contemplativas de la obra, mediante el gesto radical obras que son explícitamente abiertas, vinculadas a la dimensión fenomenológica de estar presente en un tiempo y un espacio determinado – o en palabras del artista, “un arte tan plano, tan abierto, tan directo, como nunca encontrarán” 

La presente exhibición presenta, entre otras, una obra de la serie de “iconos” que el artista realizó en de 1961 a 1964 donde el artista hizo un salto entre los abundantes dibujos, objetos, acuarelas y ensamblajes que hizo entre 1957 y 1962, hacia sus conocidas obras de arte hechas con luz en el espacio; obras de las denominadas series tituladas “monuments” for V Tatlin conformadas por distintas variaciones de lámparas blancas organizadas en formaciones de pared y dedicadas al constructivista ruso Vladimir Tatlin; la importante obra “The Nominal Three” que refiere al nominalismo y la escolástica medieval a través de la “Navaja de Ockham”; la serie titulada “European Couples” en donde el artista enfatiza la idea de la dedicación de sus obras a personas en una irónica relación a su contexto;  y la monumental untitled (to you, Heiner, with admiration and affection) de 1973, una de sus barreras que previene el acceso a cierta porción de la galería mediante el uso de una construcción de lámparas. 

Esta muestra articula con el edificio de MARCO dos relaciones conceptuales importantes. Por un lado, la exposición presenta otra de las preocupaciones espaciales del artista, el uso de las esquinas y rincones de los espacios, que refiere a relaciones con Malevich y Tatlin, asi como con los límites del arte tradicional que el artista desafía. Por otro lado, el edificio del museo, relacionada cuya genealogía arquitectónica por parte de su creador, Legorreta, y su maestro, Barragán, encarnan complejas y ambiguas relaciones con la iglesia, la representación, la luz, el color y el espacio — creado un ambiente de resonancias entre distintos medios y tiempos. 

Curaduría de Humberto Moro, Director Adjunto de Programa, Dia Art Foundation

Producción de John Sprague, Elizabeth Peck, Courtney Smith

Dan Flavin nació en 1933 en la ciudad de Nueva York, donde más tarde estudió historia del arte en la New School for Social Research (1956) y la Universidad de Columbia (1957-1959). Su primera exposición individual fue en la Judson Gallery, Nueva York, en 1961. Flavin hizo su primer trabajo con luz eléctrica ese mismo año y comenzó a usar bombillas fluorescentes comerciales en 1963. Las principales exposiciones del trabajo de Flavin incluyen las del Museo de Arte Contemporáneo. Art, Chicago (1967), National Gallery of Canada, Ottawa (1969), Staatliche Kunsthalle, Baden-Baden (1989), y la retrospectiva organizada por Dia en asociación con la National Gallery of Art, Washington, D.C., en 2004 –2005. En 1983, Dia inauguró el Instituto de Arte Dan Flavin en Bridgehampton, Nueva York, una exposición permanente diseñada por el artista en una estación de bomberos reconvertida y abierta al público cada verano. En 1992, Flavin creó una instalación monumental para la reapertura del Museo Solomon R. Guggenheim de Nueva York. Murió en 1996, dejando diseños para una instalación de luces para la Chiesa Rossa de Milán que se realizó póstumamente con el apoyo de Dia.